Uma canção, ao contrário de uma música, precisa de uma letra. E para uma audiência massificada, a letra é mais importante que a música, porque a maioria das pessoas nem sequer sabem música para a poderem apreciar. Embora, como é óbvio, a música para ser sentida não necessita de ser entendida. Mas a letra é uma parte muitíssimo importante de uma canção, isso é inegável. E geralmente as músicas mais populares, têm sempre letras que dizem algo ao ouvinte, algo por vezes de tão profundo e emocional, que só mesmo uma canção, cantarolável, pode passar essa emoção, de outra forma inacessível por palavras sem o vínculo emocional da melodia.
É o caso desta Loucos de Lisboa dos Ala dos Namorados. Esta canção tem algo de nostálgico, algo de poético até. Quem nunca conheceu um louco, que se arrasta por anos nas mesas de um café? Aquelas personagens que fazem parte de uma cidade, conhecidas por toda a gente, com uma presença que dá colorido e pitoresco à vida quotidiana? Todos os conhecem. E ao ouvir esta canção, dá vontade de lhes passar um cigarro para os dedos, pagar-lhes uma bica, e ficar a ouvir histórias que dariam para um livro…. Ou melhor…. Uma canção pop cantarolável…
Há bandas que se perdem cedo demais. Quando aparecem, o seu choque e poder é de tal forma avassalador, que a promessa de um futuro gigantesco talvez seja demasiada pressão.
Quando em 2001, um ex-guitarrista de Desire, lança o disco de estreia da sua nova banda, Thragedium, a sua mistura de doom metal com música tradicional portuguesa é uma pedrada num charco que ameaça tornar-se um oceano. Porque não basta utilizar uma guitarra portuguesa ou um cavaquinho, é fazer música brilhante com elementos novos, que adicionam algo muito maior à sua música. É a certeza que com tal registo, com tais músicas, com tal talento, um novo caminho está aberto de par em par para se trilhar, cheio de promessas de novos grandes discos, novas grandes canções…
Infelizmente, tal oceano vazou logo depois do disco seguinte, a banda separou-se, e a única coisa boa que daí adveio, foi mesmo estes dois registos que ficaram… Para matar saudades de vez em quando…
Aquando da primeira audição do disco, esta não foi a música que mais me despertou a atenção. Mas com o passar do tempo, a sua melodia ficou-me cravada na mente, pegajosa, mas com uma suavidade tremenda. Sinal inequívoco de que é uma música viciante. E quando as músicas se pegam na mente, como lapas, é só por duas razões: ou por serem muito más, ou por serem muito boas.
Neste caso específico, tenho a certeza que é pela segunda razão. Atentem no refrão, esta dança das teclas com as cordas, esta voz que se faz vento e nos embrenha com um poder avassalador. Não se sentem em casa? Naquela casa que eles construíram, em que as paredes são ambição… se todas as músicas pegajosas fossem assim…
A emoção de descobrir uma nova canção, uma nova banda, é como uma droga: provoca um tal prazer, um misto de surpresa com deleite, que apenas uma pergunta nos quebra essa satisfação. "Como nunca tinha ouvido isto?". E ao fim de duas ou três audições, parece que sempre conhecemos as músicas, e começamos a lembrar outras bandas e outras músicas que nos lembram do som descoberto. Neste caso especifico, faz-me lembrar uns Iota que em vez de blues andaram a ver o DVD dos Pink Floyd em Pompeia, com um interlúdio directamente bebido da obra prima dos Green Carnation "Light of Day, Day of Darkness".
Mas como disse... O prazer da descoberta de uma música, de uma banda, é como uma droga... E depois do efeito surpresa passar, depois de ouvir em loop a música, começa a ressaca, e a eterna pergunta: "Que mais música haverá por ai para eu ouvir?". É que o negócio da Música é bastante injusto, eu nem sei quem é o Justin Bieber, mas já ouvi falar dele milhares e milhares de vezes, e a curiosidade de ouvir é nenhuma, mas esta banda, que hoje tão agradável surpresa me deu... Nunca tinha ouvido falar....
Ai... A partir dos 14 minutos... Anjos esvoaçando... Deleite para os ouvidos... Até à próxima ressaca...
Há algo de mágico nesta banda. A frieza do black-metal é extrapolada muito além do normal, e a sua poesia tétrica, é acompanhada por um arrastar fúnebre do seu som, que confere uma ambiência mágica, mórbida, irresistível…
Esta “Lembrando os Mortos”, primeira faixa do seu mais recente álbum, é um excelente exemplo. Um manto sonoro frio, lúgubre, mórbido, onde a poesia se deleita em visões de saudade e nostalgia, criando um ambiente mágico e deprimente.
Um passeio num cemitério num entardecer outonal. Um Fado nostálgico que dói como se chamas de gelo nos queimassem a pele…
Esta é uma excelente música para perceber o porquê dos Beatles serem das melhores bandas de sempre. Nesta música, logo ao primeiro segundo fica claro que esta não é uma música normal. O ritmo, bamboleante, compassado, psicadélico, apanha-nos imediatamente, e por baixo desse trabalho de bateria simples e de excelente execução o grande segredo dos Beatles. O baixo de Paul McCartney: poderoso, som irrepreensível, cheio, viajando num slide que faz parte dos cânones da música do século XX. Depois há a voz de John Lennon, sim, e há a guitarra de George Harrison, sim. Há um quarteto dos melhores músicos do século passado, e dois dos melhores compositores que o rock já viu nascer. Sim, há isso tudo, mas o grande segredo dos Beatles, aquilo que fez a diferença entre serem uma grande banda e terem sido A banda, foi o sorteio que Paul perdeu. Quando ficaram sem baixista, e com três guitarristas, alguém tinha de tocar baixo, o parente pobre das bandas rock, e como ninguém queria tocar baixo, e ninguém queria entrar para uma banda de putos sem futuro, entre os três guitarristas fizeram um sorteio, quem perdesse tocava baixo. E a fava calhou a Paul, o melhor guitarrista dos três. E aquilo que eles não sabiam nem sonhavam, é que o baixo é o instrumento mais importante duma banda rock, sempre foi, sempre será, mesmo que ninguém ligue a isso, e aquela banda de 4 miúdos, ficaram com o melhor baixista deles todos. Perderam um grande guitarrista, mas ganharam a eternidade.
Opressiva… Uma atmosfera opressiva, doentia, alucinante. Um lamento
que rasga todos os sentidos, atmosfera de pesadelo, vertiginosa angustia… um demónio
que aconchega o seu sufoco na voz murmurada, na letra alucinada, poética. Este pode
ser muito bem o som do silêncio no Inferno. E só por isso… Bela!
A música por vezes é mais que apenas belas melodias. Existe uma regra na música pop que diz que uma música é boa quando cumpre um de dois requisitos: faz dançar, ou faz cantarolar. Mas fora do universo da música pop, onde a música é Música, capitalizada, a Música é mais simples, e por isso mais complexa. nesse universo imenso a Música nasce do silêncio, e no jogo constante entre o silêncio e o som, procuram-se criar atmosferas, emoções, ambiências, que vão além do cantar ou dançar. A Música é uma experiência pessoal, artística, individual. É Arte.
Recentemente, tive oportunidade de ouvir esta banda The Sun Through A Telescope, que lançou dois EP's em conjunto, edição em cassete e digital apenas, que funcionam como um único disco. Feito de ruído, viagens, ambientes que se desvendam ao longo da visão do seu autor, e que quase no final do segundo EP nos oferece esta semi-pérola. Aqui, é-nos oferecido quase um repouso, uma melodia que deambula por uma paisagem maquinal, que na voz nos oferece laivos de Humanidade, mas uma Humanidade quase letárgica, adormecida, derrotada talvez... Um tema a descobrir, de uma obra densa que merece mais audições.
Pretendo aqui falar duma música de Marduk. Neste pequeno trecho de 5m37seg, esta banda dá-nos a conhecer a lenda segundo a visão histórica de Dracul e Vlad seu filho. Os seus feitos guerreiros impressionaram de tal modo a população que as suas atrocidades, crueldade, vitórias e feitos nas guerras que travaram criaram lendas. Lendas que passaram de boca em boca através dos séculos, criando mitos que perduraram durante centenas de anos. Mitos que Bram Stocker, escritor do de finais séc.XIX, usou para criar a personagem principal da sua obra-prima de 1897 "Dracula". Neste livro e nas centenas de livros, filmes, séries, músicas e outros produtos a imagem de Dracul e Vlad ficou sobejamente conhecida e retorcida, mas os Marduk evitam entrar no mito dos vampiros e dão-nos antes a visão histórica dos homens por detrás do mito. Com o seu war black-metal, com um riff quase punk que se torna extremamente catchy, esta banda transporta-nos para a antiga Roménia do séc. XV, e envolve-nos em toda a rudeza e crueldade das antigas guerras medievais, mostrando-nos o carácter corajoso e cruel de tão ilustres guerreiros.
"Seven years of age is he and already in bloody war His eyes do not turn away from all that death and gore"
Estes dois versos são sobejamente reveladores de como tais caracteres se moldam, e de como por detrás de todos os mitos, por mais sangrentos e cruéis que sejam existe sempre um sofrer, traumas que podem devolver um pouco de Humanidade aos Homens por detrás dos mitos. e é isso que os Marduk nos dão. Os Homens por detrás do Mito, não entrando em devaneios literários por mais sedutores que eles sejam. Afinal... Tal como esta música nos mostra, mesmo retirando a fantasia, um Mito será sempre um mito, e as suas vidas serão sempre sedutoras, sem ser preciso mais nada que não... a Realidade.
E se alguem quiser ler a letra vão a procura no Dark Lyrics, poderão ver como nascem os Mitos, e ter uma visão de como e o porquê nascem os mitos.
Em 1935, Big Joe Williams compôs e gravou esta música, que com o passar dos anos se tornou um clássico do blues e rock, tendo já mais de 1000 versões sido feitas, de Van Morrison a AC/DC.
Mas se calhar, mais do que apenas mais uma cover, esta versão acaba por ser histórica, porque esta foi uma das primeiras gravações, de um jovem chamado Robert Zimmerman, que em Dezembro de 1961, num quarto de hotel no Minnesota, gravou esta canção, entre várias outras dedicadas a Bonnie, provavelmente a sua namorada da altura. No ano seguinte, este jovem iria gravar o seu disco de estreia, e com o passar das décadas, já com o nome artístico de Bob Dylan, tornou-se um dos (ou O) grandes nomes da música popular do séc. XX. No inicio foi assim... 50 anos depois, a música é completamente diferente, e Bob Dylan foi o maior revolucionário nestes 50 anos. É muito interessante ver como foi o seu início.
Há bandas que quando começam, têm um poder e peso apenas possível a adolescentes ainda com todo o fulgor da juventude. Depois com o tempo e a maturação, com o desejo de experimentar e variar, com a evolução natural de quem não quer ficar parado no mesmo sítio, acabam por mudar o som, geralmente para algo mais calmo.
Os Virgin Black fizeram exactamente o oposto! Quando começaram eram um banda que misturava música clássica, com gótico, doom, e alguns laivos de black metal ou música electrónica, mas nunca foram uma banda muito pesada. Até que...
Em 2008, inserido numa trilogia (que já lá vão 5 anos, sem nunca se ter visto a luz à primeira parte), sai para os escaparates "Requiem - Fortíssimo". A terceira parte de uma trilogia, que supostamente deveria ser ouvida em simultâneo. E nesta ultima parte, os Virgin Black fizeram um disco denso, cheio de distorção e vozes cavernosas. E esta Lacrimosa... esta Lacrimosa possui um peso e ao mesmo tempo uma beleza apenas disponível a bandas de eleição.
Ansiando desesperadamente, já há 5 anos, a primeira parte desta missa funerária. A parte que teoricamente deveria ser toda tocada por uma orquestra e coros.
Confesso que só hoje ouvi este disco. Ainda não com muita atenção, uma singela audição com repetição de algumas faixas. Mas assim de repente, ainda sem ter crescido o suficiente dentro de mim, esta é a faixa que mais me despertou a atenção.
Muito mais calma que o resto do disco, pelo menos, sem distorção, e salvo erro, sem a voz desse monstro que é Tom G. Warrior, "My Pain" destaca-se no disco. E destaca-se muito bem. Um lick hipnótico programado, que se repete ao longo de toda a faixa, e vozes de fundo a dar uma ambiência que convida ao sonho e divagação. Quando entra a voz feminina, somos de repente elevados e enlevados por uma misteriosa sensação de conforto tépido, que deambula nos nossos sentidos, fazendo-nos desfrutar de toda a beleza do ambiente criado. Véus sonoros que nos embalam a mente. E como se tal sugestão sonora não fosse já por si suficiente, aquele ritmo da bateria que mais parece trip-hop, aquele lick que se repete e repete, e nos arrasta numa espiral de sensações acolhedoras, e aquela voz... Eis que perto do final somos mais uma vez encantados, desta vez por uma voz masculina, (que penso não ser Tom G. Warrior, mas que de repente até parece Phil Anselmo no disco de Jarboe), e aquela voz quente, grave, penetrante, entra no todo tépido e queima os nossos sentidos desprevenidos numa chama incandescente apenas com o poder reservado da sua voz.
Um exercicío brilhante, por um dos maiores compositores europeus. Provavelmente não será uma música com grande rodagem, mas será sempre interessante ouvir numa noite quente de Verão enquanto se fuma um cigarro ao ao livre, olhando as estrelas no céu. De preferência sem luzes citadinas a atrapalhar.
Gravado em apenas uma via, ou seja, um microfone, que grava voz e piano ao mesmo tempo, "Só" é um disco à parte na discografia de Jorge Palma, é o best of que afinal nem é bem um best of. É pegar nas canções de Palma, despi-las, deixa-las cruas, orgânicas, com a voz a sussurrar, com o sangue a jorrar nas veias sob a pele quente, com os dedos a criarem magia sobre o teclado... E criar um monstro da música nacional! Um dos melhores discos de sempre, um marco que para sempre será um expoente máximo da música nacional.
E no meio de todas aquelas maravilhas do disco, houve uma música que logo se destacou, destacou de tal forma, que mesmo depois na masterização se elevou um pouco o som, se lhe deu um toque extra na compressão, que num caso normal até seria um crime, mas neste caso específico até prefiro ver enquanto a constatação que sim, esta era mesmo a música que melhor ficou no disco.
No meio de uma carreira ímpar na música nacional. Um disco. No meio de um disco especial, único, brilhante. Uma canção. No meio de uma canção... A Humanidade! Brilhante? Não. Algo mais...
John Lennon. Considerado por muitos como o grande génio da música do sec.XX, este senhor foi autor de algumas das mais belas músicas do século passado, quer na banda que o deu a conhecer ao mundo (The Beatles), quer a solo, que quer se goste ou não de admitir isso, é onde se encontram as suas maiores pérolas. Não falando do supra popular "Imagine", quase que unânimemente considerada a música mais popular de todos os tempos, a sua obra a solo possui momentos capazes de arrepiar qualquer ser humano com um minimo de sensibilidade. E este exemplo que pretendo falar, não querendo afirmar que se trata da sua obra-prima, decerto que pouca gente poderá ficar chocada ao afirmar que aqui, John Lennon consegue com um poder de sucintividade so possivel aos grandes génios descrever na perfeição um momento na vida de cada um de nós, e levar esse sentimento para o mais amplo da questão social da sua época. Musicalmente a musica só não é pobre porque é duma beleza, intensividade e raiva notáveis. Deixando todo o ênfase na letra e na emotividade da voz, o músico da-nos uma música acustica de apenas um acorde, não perdendo tempo com acordes, harmonias e tudo o demais que poderia retirar o sentido daquilo que a música realmente representa: o medo, a raiva, o desespero, a incógnita do Futuro de um jovem, as suas causas, a hipocrisia da sociedade que cria estes individuos, largando-os numa selva disfarçada de civilização. Talvez nenhuma palavra consiga descrever isto tão bem como a própria letra, e é isso que aqui vou deixar para todos vós, num exercicio de tradução.
"Assim que nasces fazem-te sentir pequeno
Tirando-te Tempo, em vez de to darem todo.
Até a Dor ser tão grande que deixas de sentir.
Magoam-te em casa, e batem-te na escola,
Odeiam-te se és esperto e desprezam um burro,
Até ficares tão confuso que não consegues seguir as regras.
Torturam-te e assustam-te durante 20 estranhos anos,
E depois esperam que escolhas uma carreira
Quando não consegues funcionar e estás cheio de medo.
Mantêm-te anestesiado com religião, sexo e televisão,
E achas-te tão esperto, sem classe e livre.
Mas para mim não passam da merda duns saloios.
Ainda te dizem que podes chegar ao topo,
Mas primeiro tens que aprender a sorrir enquanto matas,
Se quiseres ser como os gajos da zona chique."
Aqui não meti o verso do refrão, a ideia era mesmo mostrar a genialidade em tão poucas palavras, daquele que é na opinião da maioria dos melómanos, considerado o maior génio da música pop do sec.XX. Percebam o porque, e esta é só uma das grandes músicas que este senhor deixou para a Eternidade, antes de ter sido assassinado a porta da sua mansão por um fã, que se sentiu traído ao ver que enquanto ele cantava a revolta dos "heróis da classe média" contra o poder estabelecido da hipocrisia, o próprio vivia no maior luxo que o dinheiro pode comprar (até os caixotes do lixo eram de ouro). Ironias do destino?
Há mais de uma década atrás, quando o metal europeu se começou a expandir sonoramente, deitou mãos do gótico, uma ideia musical já bastante antiga, cheia de floreados, cheia de uma estranha beleza escura. E as mulheres começaram a tomar conta dos microfones, todas com vozes etéreas, quentes, sensuais, para enlevar os ouvintes no doce abraço negro de belezas obscuras.
No inicio era a Liv. E se a Anneke dos The Gathering era e ainda é o grande nome das senhoras no metal melódico, a senhora Liv Cristine, era por aqueles tempos com os seus Theatre Of Tragedy, um nome incontornável. Pessoalmente, ainda continuo a preferir os Theatre daqueles tempos a todas as bandas que se seguiram, e a todas as bandas que já existiram de senhoras a cantar góthic metal. A Rose For The Dead consegue exemplificar muito bem porque.
Uma melodia fantástica, uma voz que nos enche o peito, o contraponto da voz masculina a grunhir, aquela guitarra que se passeia num lick denso, o teclado que qual sombra branca ilumina todo o conjunto... Uma das melhores musicas do género. A matriz que foi imitada e explorada ao ponto da caricatura, mas sem nunca atingir tal beleza, tal intensidade, tal negritude...
No meio da febre recente pelo novo fado, muita coisa fica de fora. Este disco foi editado cedo demais na minha opinião, ninguém lhe ligou nenhuma. Passados cinco anos, só se ouve fado nas rádios e nas televisões, parece que Portugal de repente acordou novamente para ele. mas como sempre nestes histerismos colectivos, muita coisa é atropelada, e esta canção mereceria muito mais do que o desconhecimento generalizado. Sim... Esta música tem algo de ilegal, muito de ilegal até. É um plágio descarado duma canção turca (salvo erro, já não me lembro bem de quem é o original, e também não fui procurar), mas para o que nos interessa, isso acaba por ser irrelevante. O que fica é uma melodia fenomenal, arranjos de um bom gosto tremendo, de uma beleza serpenteante, uma dança sonora de uma sensualidade quente, etérea... No fundo, aquilo que o fado tem de melhor, mas actualizado. Não por o "velho fado" ser obsoleto, a música quando é boa nunca é obsoleta, mas pegando em todas as ferramentas à disposição e criar algo superior. Ok... Não foi criar, foi copiar, roubar. Mas até ai é um fado perfeito, porque o fado também não é mais que uma reinvenção de musica oriental, árabe. E estes Rosa Negra fizeram um excelente trabalho nisso.
No meio de toda a nova vaga de fado, com ou sem plágio, esta é a mais bela reaproximação ao fado no séc. XXI.
No sempre constante desfilar de novas músicas que saem no mercado, por vezes sabe bem voltar atrás no tempo. A primeira vez que ouvi esta música, tinha menos dez anos em cima, a vida era outra. Mas a sensação que tive ao ouvir esta música, essa, mantém-se imútavel.
Esta música pode analisar-se em 4 partes. A música na introdução e a sua letra. E a segunda parte da música e a sua letra.
Na introdução é uma balada, e que bela balada. Um lick delicado na guitarra, uma voz quente e sussurrada, melódica. Uma beleza pop, no mais puro sentido da palavra. A letra... A letra é um belo poema de perda de amor. Ideal para qualquer pessoa com mal de amores.
"Do you believe in love?
Do you believe in destiny?
True love may come only once in a thousand lifetimes...
I too have loved...they took her from me,
I prayed for her soul....I prayed for her peace
When I close my eyes
I see her face, it comforts me
When I close my eyes
Memories cut like a knife"
Na segunda parte, uma música tipicamente heavy metal com um ritmo acelerado, riffs cortantes, solos melódicos, voz poderosa. E a letra enfim desvenda-se. É uma música sobre o mito de Drácula. pois esta música pertence a um disco temático, sobre personagens de ficção de horror.
E no meio? Bem... No meio é a explosão mais explosiva que se pode imaginar! Relembrem ou descubram!!!!
Num estilo que procura ser o mais estremo possível, por vezes são editadas musicas com um sentido quase pop que são uma agradável surpresa. Servem apenas para nos mostrar que o black metal não é um estilo apenas de violência, extremismo e intensidade quase insuportável. É também um estilo de beleza, uma beleza quase pura, primordial. E esta "Ravenclaw" é um excelente exemplo disso. Bebendo bastante de Bathory, pega na tradição musical nórdica, e junta-lhe a intensidade do melhor metal extremo. Com uma melodia serpenteante, que cresce em intensidade, que rasga os nossos sentidos com uma simplicidade desconcertante. A música, seja ela de que estilo for, deveria ser assim. Bela e cativante.
Existem dezenas, talvez centenas, de grandes músicas que falam da guerra. No período áureo da música popular no séc. XX a guerra do Vietname estava no auge, e como tal toda a gente tinha algo a dizer. Mas no meio de todas essas músicas, no meio de tanto que se escreveu e cantou, entre tanta gente que em tantos momentos alguma vez quis dizer algo sobre a guerra, há uma canção que se destaca. Uma canção simples, com uma letra simples, que consegue atingir a verdade do que é a guerra. Não tivesse sido ela escrita pelo Profeta, um miúdo, que armado de uma guitarra e uma ingenuidade surpreendente, cantou a melhor música sobre a guerra que alguma vez alguém escreveu. Porque nessa singela letra estava toda a verdade do que é e para que servem as guerras. Falo claro está de Bob Dylan, e a sua fantástica e genial "Masters Of War". Se algo há a dizer da sua genialidade, basta propor-vos um desafio, ouvirem a musica, e prestarem atenção na letra. Incrivelmente actual, apesar de ter sido escrita há quase 50 anos. mas como disse, Dylan nessa música conseguiu atingir o cerne, o coração do que é a guerra.
Existem um sem número de versões dessa música. geralmente bastante fiéis ao original, apenas melhor interpretadas, como é apanágio de quem faz versões de Dylan. Mas a versão que vos trago, foge bastante do original. Antes desfaz a música e transforma o que é uma simples música folk, numa viagem hipnótica em tons de free-jazz. Uma bateria sincopada, que marca todo o ambiente da canção, uma voz feminina que deambula quase hesitantemente no inicio, e uma guitarra que entra sorrateira para encorpar a canção. Depois disso, a música cresce e cresce até ao delírio final, acompanhando a intensidade da letra, que cresce até à apoteose final.
Fazer versões de Dylan é um exercício que praticamente todos os nomes grandes da história da música fizeram. Falamos claro, daquele que é provavelmente o melhor compositor de sempre da música rock. Mas geralmente os artistas cingem-se á música, que por mais bela que seja acaba sempre por ser apenas o leito onde a letra se deita. Nesta versão, a Scott Amendola Band, pegou naquilo que é mais forte em Dylan, a letra, e fez a sua versão a partir dela. O resultado é avassalador.
